Litigante, el dolor de la pérdida anunciada

Cómo dice el poeta Mario Benedetti:

“Hay partidas, adioses de los que no volvieron ni volverán. Aun en las mejores y conquistadas alegrías, sobreviene de pronto un vacío y nos quedamos taciturnos, solos, tiernamente desolados”

La ausencia es como un fantasma que duele. Es algo que aún se siente pero que ya no está, lo cercenaron de nosotros, pasiva o agresivamente, sin embargo, la falta de eso que tuviste y ya no, duele.

Litigante es un film de Franco Lolli que personalmente me ha dolido demasiado. Los temas que aborda son difíciles y complicados de llevar con éxito en una película, no obstante el director se luce con una naturalidad al contar la relación entre una madre y su hija cuando una de ellas está a punto de morir de un cáncer terminal.

Franco Lolli lleva a cabo una puesta en escena sobriamente montada, pero también sombríamente desarrollada. Se nota a leguas que el director ha querido plasmar una pesadumbre familiar e íntima que colocara al espectador en una posición vulnerable en cuanto al duelo y la pérdida anunciada de alguien.

No quiero que se mal entienda esto, la película es extraordinaria, contiene una naturalidad en sus temas lo suficientemente efectiva como para creer que la dinámica que ves ahí es real. Lolli ha decidido, con su puesta en escena, no dar tregua a los personajes y tampoco a quien los ve. Muchos se verán identificados en las dinámicas familiares que ahí se ven, en la peleas, los desacuerdos, pero también las expectativas que los padres tienen sobre los hijos, esas que se cumplieron y que no se dicen, al mismo tiempo que las que no se alcanzaron y se gritan en el patio trasero… todo eso se ve y su realizador lo hace con una naturalidad apabullante.

¡Brutal!

Litigante formó parte de La semana de la Crítica en el Festival de Cannes en 2019 y ya se estreno en nuestro país.

SINOPSIS

Silvia, madre soltera y abogada, está al borde de una crisis nerviosa. Debe dividir su tiempo entre cuidar a su hijo pequeño, acompañar a su madre enferma y defenderse de una acusación por corrupción. Justo en ese momento, cuando menos se lo espera, el amor llama a su puerta por primera vez en años

Luis toriz

Por Luis Toriz
Sitio web: https://cineofata.blogspot.com/
Twitter: @JonathanToriz
Facebook: @CDesclasificandoElCine
Instagram: @elultimovivo

Paletas en la boca… cómo hemos normalizado conductas ilícitas

Pocos podríamos pensar que una de las obras más pulcramente escritas de la literatura como lo es “Lolita” de Nabokov estaría inspirada en una tragedia de una adolescente de 12 años que fue secuestrada más de dos años por Frank La Salle, un ex convicto por pederastia que salió libre bajo libertad condicional en 1948.

Vladimir Nabokov no oculta que su historia de “Lolita” se encuentre basada en una historia oscura como es la de Sally Horner que, lejos de gozar de la admiración y adoración de un hombre, sufrió violaciones y privaciones de la libertad siendo una menor de edad.

La historia de Nabokov es uno los libros más leídos, recomendados y también ha sido adaptado, nadie niega la calidad de pluma que significaba el escritor, ni ayer ni ahora. Lo que sí se pone en tela juicio, a la luz de los años, es su consciente romantización de abuso sexual infantil.

Aunque sus dos adaptaciones cinematográficas edulcoran las situaciones de violación y abuso bajo un filtro de coqueteo y romance juvenil, el tema es evidente, pero también poco se habla de la normalización que la hipersexualidad infantil ha tenido en ciertas producciones cinematográficas.

Stanley Kubrick realizó una excelente adaptación de Humbert por medio de Jeremy Irons, quién interpreta a un hombre de 52 años que se encuentra enamorado de su hijastra. Sin embargo, sí analizamos, y no a mucha profundidad, la ligereza con la que el abuso es abordado es incluso hasta ofensivo por su diabólica omisión, si tomamos como base el crimen sobre el que está basado. En ambas producciones se culpa a la joven adolescente de provocativa y sensual en relación al siempre inocente Humbert que arde en silencioso deseo por la joven que no cesa de provocarlo.

Desde los posters se coloca a una joven con un caramelo en la boca (con evidentes insinuaciones sexuales), unos lentes oscuros a media mirada, la cual se puede interpretar como provocativa en el contexto de la historia. Cabe mencionar que la historia siempre es contada a través de los ojos de su protagonista hombre, nunca se enfoca en la perspectiva de la joven, simplemente vemos lo que Humbert quiere ver, su utópico romanticismo con una adolescente a la cual le triplica la edad.

Ahora bien, si está historia les parece pasada de moda, hay una más reciente que muchos alabaron por contar con una cinematografía impecable. No es nuevo que para contar una historia que romantiza el abuso infantil tenga características visuales y artísticas de muy buen gusto. “Call me by your name” de Luca Guadagnino (2017) basada en la obra literaria de André Aciman es una historia que incluso ganó el Óscar como mejor adaptación, lo cual habla de una minuciosa pulcritud en su versión cinematográfica.

La calidad de ambas producciones no se pone en entredicho, lo que sí se cuestiona es la calidad moral de sus historias. No estoy diciendo que de no existir estas películas se eliminaría la pedofilia de la faz de la tierra, estamos lejos de eso, sin embargo, sí resultan ser apologéticas en su tesis en una perspectiva que exalta y edulcora al pedofilo.

La misma sociedad hollywoodense que ha cancelado a grandes directores como Woody Allen por abuso sexual, exaltan trabajos literarios y cinematográficos que acarician el delito en la subtextualidad con temas sexuales ilícitos entre hombres evidentemente más maduros que sus “enamorados”, ocultando siempre la edad dentro de las historias o dejándolas ver como irrelevantes o sin importancia, en comparación con el relato amoroso e ideal que viven ambos personajes.

Ahora, no lo veamos desde el punto de vista de una sociedad norteamericana en decadencia, veámoslo a través de los ojos de un víctima de abuso sexual infantil, también víctimas del mismo consumismo mediático.

“Leaving neverland”, un documental de Dan Reed que basa su tratamiento con base de entrevistas a Wade Robson y James Safechuck.

Ambos actores, en ese momento infantiles, relatan de forma muy puntual y descriptiva los abusos sexuales que Michael Jackson cometía contra ellos. Ambos han reconocido que no entendían lo que pasaba en ese momento, simplemente se vieron abrumados por la cantidad de lujos que ellos y sus familias recibían a cambio de que, cada noche, separados de sus padres por alas completas de la residencia, pasarán la noche con Michael Jackson.

A la luz del tiempo, estas dos víctimas cuentan que en ese preciso momento el abuso para ellos no existía, simplemente estaban enamorados de Michael. De este modo, no podemos re victimizar a las víctimas culpándolos de omisión del delito y como cómplices de su propio abuso. El abusado no está consciente del daño que está sufriendo, pero el abusador sí.

Wade y James cuentan en lágrimas la decepción amorosa cuando vieron que fueron cambiados por otro niño (Maculay Kulkin) con el que Michael aparecía en público en las alfombras rojas donde era invitado. Ahí fue cuando se dieron cuenta que sufrían por el rechazo que sistemáticamente perpetraban los medios por medio de noticias de un secreto a voces del abuso que Jackson cometía a todas luces, pero al que todos desviaban la mirada.

La apología del delito también es un delito penado en la ley. Probablemente en muchos países por su cultura se les permita el contacto sexual con menores de edad aunque sea después del matrimonio y en esos casos pueda ser discutible al ser aprobado de manera social y familiar, pero también con la plena conciencia de los implicados, en este caso los menores de edad.

Los tiempos actuales se acercan, ayudados por grandes movimientos en redes sociales como #MeToo, a tomar cada vez más conciencia acerca del abuso sexual normalizado que la sociedad a permitido se infiltre como un modo de acceso a la fama o a la expresión de los talentos. De este modo también ahora enfrentamos otro problema del que después escribiremos: La doble moral en una industria que basa su sistema en el abuso omitido y en la silenciación de sus víctimas.

LUIS TORIZ

Por: Luis Toriz
Sitio web: https://cineofata.blogspot.com/
Twitter: @JonathanToriz
Facebook: @CDesclasificandoElCine
Instagram: @elultimovivo

Ambulancia, un viaje ácido de Michael Bay

Apenas vamos en marzo del 2022 y ya vi dos películas de lo más locas y disparatadas en el cine. Moonfall de Roland Emmerich es pésima por donde le veas, si acaso la salvan los efectos especiales y que conoces de lo que es capaz el director cuando hablar de destruir el mundo se trata.

Otra es Ambulancia de Michael Bay… ¡que locura con este director!

Danny (Jake Gyllenhall) y Will (Yahya Abdul-Mateen II) son dos hermanos que nacieron y vivieron en el crimen organizado de la ciudad de Los Ángeles. Más tarde sus caminos de separaron por cuestiones de principios y moral. Will se convirtió en soldado y fue a pelear la guerra en Afganistán y Danny se dedicó siempre a robar bancos. Hasta que Will se ve empujado a regresar a cometer un último crimen para conseguir 230 mil dlls para combatir el cáncer de su hijo.

Lo que se suponía sería un atraco sencillo se complica solamente por una declaración de amor. No seré agente de spoilers pero sí… no me reclamen a mí, es una película de Michael Bay.

Lo que sí puedo decir es que esta película es para apagar el cerebro y disfrutarla por lo que es: frenética, loca, incoherente y llena de acción. Dos horas con Bay en una sala de cine parece que viviste un año de frenética acción y que saliste ileso; ves tantas cosas, con miles de puntos de vista y posiciones de cámara que abruma.

Si hay algo que siempre me ha gustado de este director es que su lente no tiene límite. No hay cielo, techo, pared o piso que detenga sus planos. Sus picadas y contrapicados; sus planos dentro de los planos y que decir de los abiertos… es una clase de lenguaje cinematográfico, sin embargo todo sirve para dar forma a la acción, no para contar una historia de forma coherente.

Cuando un director hace una toma en contrapicado da una nota de sentimiento dependiendo de los colores que coloca en su decoración en complemento con la música y todo el conjunto. Pero con Bay esta regla se anula, no existe. El director es tan estrambótico en sus intenciones que todo pasa rápido y pasa todo, pero no ves nada.

Sé que suena loco pero, lo vimos con Transformers mil y un veces. Sus películas están atiborradas de efectos, coches, sonidos, rechinados y chispas, aún en un coche detenido, sale fuego, ¿de donde? Solo Michael lo sabe.

Lo que pongo a su favor es que tiene un gran cast: Jake, Abdul y Eiza González. No le pongo pero a ninguno de los tres y me pongo de pie porque protagonizar una película de Michael Bay debe ser la locura. Es un director que requiere mucho de sus actores, tanto física como mentalmente y por un churro de película, donde pasa todo y nada al mismo tiempo.

Ambulancia es una película simple, sin mayores complicaciones, para pasar un buen rato gritando de emoción y estando preocupado por el futuro de los protagonistas. ¡Es lo que es!

Luis Toriz

Por Luis Toriz
Sitio web: https://cineofata.blogspot.com/
Twitter: @JonathanToriz
Facebook: @CDesclasificandoElCine
Instagram: @elultimovivo

Fresh, ¿una apología a la violencia?

Estamos en tiempos violentos, pero no solo eso, también en épocas donde la más mínima apología a conductas que insinúen algún tipo de violencia es condenada pública y también, no todas las veces, legalmente.

Fresh de Mimi Cave y bajo la producción de Adam McAy, es no solo un reflejo de los tiempos violentos que ahora vivimos en contra de las mujeres, sino también de lo banal que resulta ser cuando lo ves plasmado en la pantalla grande. Es distinto cuando una película denuncia un defecto social como el callar un delito que es un secreto a voces, ya sea de un funcionario público, de una persona influyente o cualquiera que esté en una posición de poder.

Esta película protagonizada por Sebastian Stan como Steve, un médico cirujano que se dedica a secuestrar mujeres para satisfacer a un grupo selecto de hombres de poder que gustan de comer carne humana, pero específicamente de mujeres.

La sensación que deja esta película la comparo mucho con la misma que me dejó Hostal de Eli Roth cuando la vi. Un hastío por la sociedad en combinación con miedo al ser más común que se pueda acercar a preguntarte la hora. Porque una situación de trata de personas con el fin de tráfico de órganos, de prostitución o cualquier otra actividad ilícita, no solo puede pasarle a mujeres, también a hombres y México es un país protagonista en este tipo de casos.

Aunque la historia tiene mucho cuidado y por un solo detalle del guion al final, su tesis no resulta apologética hacia la violencia que acusa y retrata tan escatológicamente, es sumamente insinuante e insidiosa. Creo que el que esté dirigida por una mujer salva que sea una exaltación al odio hacia las mujeres para convertirla en una denuncia en forma de una película de terror.

Resulta ser una línea muy delgada en la forma en la que se dice algo cae en el defecto propio que se denuncia. Fresh es lo demasiado inteligente para que no parezca precisamente eso y, ni modo, lo aplaudo. La película está tan bien hecha y escrita que da miedo, precisamente porque es tan cercano, pero también fácil caer con gente enferma mentalmente en redes sociales, aplicaciones de citas o con esta mentalidad de: “solo una noche”, pues puede que sea la última.

Fresh es terrorífica a grados viscerales e inteligente de forma estratégica y violenta. De verdad que es una genialidad por donde se le quiera ver.

Luis Toriz

Por Luis Toriz
Sitio web: https://cineofata.blogspot.com/
Twitter: @JonathanToriz
Facebook: @CDesclasificandoElCine
Instagram: @elultimo

La peor persona del mundo, Joachim Trier regresa a lo básico.

Conocí el trabajo Joachim Trier por Reprise, una ópera prima interesante que tuvo una proyección en ese entonces durante la muestra de la Cineteca Nacional.

La historia me impresionó porque obviamente la narrativa era diametralmente distinta a lo que se acostumbra ver. Su estilo era desde entonces contar dos historias: Dos amigos escritores que, después de escribir un manuscrito cada uno, lo entregan a la misma editorial, el mismo día. Uno de estos es publicado y el otro no.

Joachim Trier que también es el guionista, coloca a sus dos protagonistas en una coyuntura moral y llena su forma con canciones que para ese momento de la historia encajan perfectamente bien. El director sabía cómo lograr un cierto humor en el espectador por medio de un delineado de los personajes, no solo minucioso, sino también desenfadado. Esta característica es exaltada con la selección musical.

Joachim Trier ya trazaba desde entonces personajes erráticos, más aún a su protagonista. El actor Anders Danielsen Lie, que también aparece en “La peor persona del mundo”, interpretaba a Phillip, el joven autor publicado que cambia totalmente su vida gracias a que se vuelve famoso y deja atrás todo lo que lo definía tanto personal como profesionalmente.

Después de explorar otro tipo de historias y también incursionar en el género del terror sobrenatural, Joachim vuelve a un inicio, donde sus personajes son probados moralmente y erráticos en todas sus formas. También recurre de nueva cuenta a una voz como narrador que nos va contando en tercera persona todo lo que pasa con el protagonista, como si de un cuento se tratara.

La peor persona del mundo está dividida en en doce capítulos, un prólogo y un epílogo, por los cuales vemos la evolución de Julie, una mujer joven que no sabe lo que quiere. Un día quiere ser doctora, al otro psicóloga para después decidirse por la fotografía; esta indecisión la lleva al terreno de los sentimientos.

Aunque sí la historia amorosa es importante, es aún más relevante el ejercicio introspectivo que Julie tiene durante toda su historia contada por el narrador. Lo interesante es cómo esta joven es consciente de su notable inmadurez y de la afectación que va causando a la personas que se van involucrando con ella.

Joachim Trier vuelve a lo básico de su cine: contar historias con coyunturas morales que ponen a su personaje en serios problemas por medio de un soundtrack llamativo y ligado por capítulos. También este estilo rememora un poco al cine de su tío Lars von Trier, quien también regularmente divide sus películas en segmentos para llevar a un epílogo que aunque es el fin de la película, indica que no lo es tanto de su protagonista.

El discurso que Joachim Trier tiene con su espectador con esta película es reconociblemente peculiar para quien lo hemos seguido de cerca, para los que apenas lo descubrirán verán en él a realizador bastante maduro que ha sabido perfeccionar su técnica y narrativa inicial en favor de un estilo que al final de cuentas pertenece a un autor de lo personal e íntimo.

ESTRENO 17 MARZO 2022
Luis Toriz

Por Luis Toriz
Sitio web: https://cineofata.blogspot.com/
Twitter: @JonathanToriz
Facebook: @CDesclasificandoElCine
Instagram: @elultimovivo

Luz negra, otra película con Liam Neeson

Hay películas de acción, comedia, drama, ciencia ficción, terror, extraterrestres y en un lugar muy aparte están las películas con Liam Neeson. Parece ser que el actor se ha vuelto todo un subgénero que habita en el gusto de un público que le encanta ver a este actor en acción, que ya ni siquiera importa si esa película es buena o no, simplemente actúa Neeson y van a verla.

Si bien es cierto el actor es muy bueno con las escenas de acción, de pelea y persecución, no lo es tanto con las de misterio.

Travis Block (Liam Neeson) es un ex militar de Vietnam retirado que trabaja de manera extraoficial con Gabriel Robinson (Aidan Quinn), director del FBI que también fue un compañero de guerra en su juventud. Travis es un patriota y protector de la ley y se dedica a salvar agentes en peligro y no se da cuenta de las operaciones secretas que su jefe y mejor amigo ha hecho sin que él siquiera sospeche que bajo su guardia este ha cometido innumerables asesinatos a civiles que “amenazan” La Paz y seguridad del país.

Luz negra es un thriller de acción que comienza bien. Un asesinato sin resolver de una civil que toma relevancia política toma la atención del espectador porque es una mezcla entre teorías conspirativas y también tópicos políticos de gran escala. Sin embargo, este tema en lugar de desarrollarlo, lo deja de lado para abordar una acción y balacera sin razón, que nada tiene que ver con el tema que , en primera instancia, ya te había enganchado. Ahora bien, pensarás: habrá de aquí en adelante excelentes escenas de acción, pero tampoco.

También hay otro tema que pudo haber sido interesante acerca de una periodista que sí está haciendo su trabajo de investigación acerca de los asesinatos sistemáticos del FBI a civiles. Esto va tomando auge y es cortado por otra escena de acción absurda mala hecha que, sí bien no aporta nada, tampoco entretiene. Esta periodista es un personaje bastante coyuntural al ser el hilo que desata el nudo por su investigación de fondo, pero tampoco su desarrollo es afortunado.

En el trabajo de investigación, el sujeto o el objeto se vuelve una obsesión a grados casi enfermizos. Se busca, se lee y se encuentra. Pero esta chica periodista, que trabaja bajo un seudónimo, toda la información la obtiene de una mujer que investiga todo por ella… ¿quién es? No lo sabemos, la película tampoco se encarga de desarrollar a ese personaje que también pudo haber sido interesante.

Así Luz negra va perdiendo oportunidades de haber sido una excelente película de misterio y acción como “La intérprete” de Sidney Pollack o “Primer plana” de Tom McArthy, donde la labor periodística se toma de manera seria y se representa de igual forma. Hay una responsabilidad social implícita, pero también se nota que el guionista tiene respeto por el trabajo de la investigación de campo y el periodismo. “Luz negra” también pierde el camino en ese sentido, se desvía hacia la ruta de la balacear mal hecha, que solo busca hacer lucir a Liam Neeson y tampoco lo logra bien.

Aunque la película es entretenida, no logra los registros de acción, ni de suspenso pero tampoco de drama. No ahonda en nada, no desarrolla ningún personaje y abandona oportunidades de oro que la podrían haber hecho una gran película de su género, pero termina siendo una película más con Liam Neeson.

Por Luis Toriz
Sitio web: https://cineofata.blogspot.com/
Twitter: @JonathanToriz
Facebook: @CDesclasificandoElCine
Instagram: @elultimovivo

Belfast, no es ¿Dónde estás?, sino ¿De dónde eres?…

Muchas veces no importa que cuentas sino cómo lo cuentas. Kenneth Branagh es un director muy clásico en su puesta en escena, pero también en sus relatos. Lo pudimos ver en Hamlet (1996) o bien en Frankenstein (1994) basada en la obra Mary Shelley. Lo interesante de este actor y director es que le gusta teatro clásico shakespiriano, pero siempre intenta, casi siempre con éxito, dialogar con una teatralidad en su forma de abordar la dirección de arte, las actuaciones y la puesta en escena.

Belfast es una película que ocupa un estilo que ya hemos visto en mil películas como “La lista de Schindler” (1993) de Steven Spielberg, “Roma” (2018) de Alfonso Cuarón, “Cold War” (2018) de Pawel Pawlikowski… en todas el tono monocromático tiene una intención bastante clara ya sea que aporte a la narrativa, a la historia o bien, que sea más una característica rigurosamente estética.

Es totalmente válido que el recurso del blanco y negro pueda funcionar en muchas direcciones y motivaciones del director. En este caso Kenneth Branagh, como ya está siendo común en este tipo de relatos, relata su infancia dentro de la ciudad en la que creció por medio Buddy, un niño inteligente que juega venciendo dragones en la calle y es el recipiente ficcionado de la niñez de Branagh. Con una pareja de padres con problemas económicos y un padre (Jamie Dornan) que viajaba por trabajo a Londres, hasta que comienza un conflicto social entre protestantes y católicos que ocasiona que los padres valoren el pensar mudarse a Inglaterra, pero esto implica no solo dejar su ciudad de origen, sino dejar a sus abuelos, sus amigos y la niña por la que siente algo especial.

El relato es totalmente emotivo, nostálgico y pone en contexto una infancia enmarcada por una convulsión social caótica que comenzó en 1968 y se calmó hasta 1998. Este conflicto norirlandés comprometía a las dos religiones predominantes en Irlanda del norte; este conflicto se volvió un problema étnico que alcanzó incluso temas políticos importantes al volverse un tema de violencia a grados preocupantes.

De este modo Belfast discursa mucho y comparte épocas, en distintas áreas geográficas, pero convulsas socialmente por igual, con Roma y Cold War. Esta trilogía, sin saberlo enmarcan tiempos violentos con los que comparten cuadro, pareciera que Cuarón, Pawlikowski y Branagh acordaron realizar un mosaico de las décadas más problemáticas y revolucionarias de la historia del mundo. Separados obviamente de forma geopolítica pero que conversan entre ellas en una línea de tiempo bastante interesante.

Por esta razón el filme de Kenneth Branagh aunque no ofrece algo distinto a otras historias, contiene un valor sentimental y nostálgico como las otras dos. Pudiéramos decir que son películas hermanas que nacieron en distintos países, pero que también representan las infancias de sus directores, tomando, las tres, la forma de un diario que retrata un tiempo histórico social y político en común, pero también el mismo universo de emociones, perdidas y ausencias.

Una de las grandes competidoras dentro del Oscar… una joya cinematográfica imperdible.

Luis Toriz

Por Luis Toriz
Sitio web: https://cineofata.blogspot.com/
Twitter: @JonathanToriz
Facebook: @CDesclasificandoElCine
Instagram: @elultimovivo

Antlers, los mitos según Guillermo del Toro

¿Qué son los mitos? Según Guillermo del Toro, los mitos son fuerzas de la naturaleza que conviven con el ser humano pero que no puede entender al ser más grande que él mismo. Regularmente lo que no se comprende se le tiene miedo y se convierte en algo que se cuenta como el resultado de los sentimientos humanos o de sus propios demonios sublimados.

Scott Cooper apoyado por el director mexicano coescribe y dirige la que probablemente es una de las películas de horror más incomprendidas del 2021. La historia que aborda temas como el abuso infantil y la orfandad desde el punto de vista mitológico de los wendigos, creando una metáfora puntal, pero también fuerte acerca de como un abusador se convierte en un depredador hambriento, que no sólo quiere lastimar, sino que tampoco quiere estar sólo.

El director crea dos historias paralelas con Julia (Keri Russel), como una mujer que de niña fue abusada por su padre sin que su hermano Paul (Jesse Plemons) pudiera siquiera hacer algo, razón por la que tuvo que huir muy joven y abandonarlos a ambos. El padre al cometer suicidio permite que ella regrese después de muchos años y se encuentre con Lucas, un niño callado y reservado que toma la clase de literatura que ella enseña.  Ella al darse cuenta de que este niño sufre de abuso crea un vínculo emocional donde ve reflejado su pasado de maltrato.

Guillermo del Toro explica en entrevistas que decidió producir esta historia porque es un tipo de horror elevado que no sólo trata de asustar, sino que lleva los miedos humanos a niveles mucho mas filosóficos y por lo tanto, más psicológicos y dañinos al víncular los temores humanos a algo mucho más cercano, más familiar y habitual que nos rodea: la familia y el amor que nos une; paradójicamente es la misma codependencia que construye el abuso físico como sexual en nuestro núcleo social más cercano.

Aunque la película construye toda su historia sobre una creencia mitológica, logra establecer un paralelismo entre esta criatura que destruye todo a su alrededor con un padre que, sin ser un monstruo en el sentido ontológico de la palabra, se comporta como uno al ser depredador de la propia inocencia de sus hijos. Este paralelismo hace de Antlers una película de realismo fantástico y terrorífico causante de una reflexión interna acerca de la infancia y su mirada hacia la responsabilidad de la propia paternidad en conjunto con sus efectos destructivos como constructivos.

Antlers aunque pasó desapercibida en cines hoy tiene su estreno en Star Plus y vale la pena mirarla, por su tratamiento de los temas, su tipo de terror y como lleva a la mitología a otro nivel, mucho más visceral, crudo e ineludible para la realidad humana, como si de una profecía se tratara.

No es joya, pero sí merece ser vista.

Por Luis Toriz
Sitio web: https://cineofata.blogspot.com/
Twitter: @JonathanToriz
Facebook: @CDesclasificandoElCine
Instagram: @elultimovivo

The Batman es épica

La verdad es que no sé cómo comenzar esta reseña. Hay tantas ideas en mi cabeza que revolotean y no logran aterrizar. Entiendo porque deben de ver esta película por muchas razones, sin embargo, no puedo lograr concretar conceptos que me dejen analizarla como un todo.

Primero que nada, Matt Reeves lo hizo, lo logró. Me refiero a que puede presumir que este Batman está a la altura de cualquier parte de la trilogía de Christopher Nolan. En atmósfera, profundidad de personajes, historia, villanos, contexto político y social de Ciudad Gótica.

The Batman se puede jactar de ser la mejor película del caballero oscuro, incluso más que las que ya conocemos. Me pueden decir que exagero, que no es posible rebasar lo que hizo Nolan. Puede pasar y está sucediendo. Muy a pesar de todos, incluso de los fans de Snyder y Batffleck, Robert Pattinson logra crear un personaje mucho más abatido, confundido, perseguido por el pasado; esto trae furia, enojo y venganza.

Todo lo anterior no es logrado solamente con la actuación de Pattinson, no; sí logra hacer algo destacable en intención dentro del propio perfil del personaje, pero mucho tiene que ver el guion de Matt Reeves y Peter Craig, que se alimenta directamente de tres comics principales: El Halloween más largo, Batman Ego y Batman año uno.

Hacen una mezcla muy efectiva entre el drama interno y contenido de Bruce Wayne y una efectiva película de cine neo noir con todos sus elementos en la mesa y estilo visual.

El director dialoga mucho con películas como Zodiaco de David Fincher o Seven, fusionándolo con la mitología propia del personaje, su entorno social, político, enmarañado con el personal y amoroso.

Los villanos… huy, no me había emocionaba tanto con un personaje como con el Riddler de Paul Dano: es enigmático, maniático, inocente, loco, perverso. El personaje raya en la demencia total que da miedo, tanto que solo el inicio parece que miramos una película de terror.

Lo interesante de esta entrega es cómo establece una atmósfera desde el inicio. Con las primeras escenas con The Riddler sabes que todo será denso y pesado. Puedo decir que Dano en algún punto de la historia y del desarrollo del personaje le roba la película a Pattinson… así de intenso está ese personaje.

La música de Michael Giachino logra colocar el Ave María en distintos tonos e instrumentos para lograr un ambiente sacro ligado directamente a la expiación de culpas, la maldad, el pecado, pero también la expiación y el sufrimiento.

Greig Fraser, es el causante de una fotografía lúgubre, gótica urbana y clásica al mismo tiempo, que logra complementar a la perfección el subtexto yuxtapuesto del Ave María a la oscuridad humana interna en la que la propia ciudad Gótica se encuentra. Incluso enmarca perfecto el estado espiritual de Bruce Wayne que, en esta misión de ser un vigilante nocturno se convierte en un devorador de pecados, que se está dejando, a su vez, devorar por su propia oscuridad.

Es que todo es tan demencial y bestial, al mismo tiempo que épico a grados visuales que no veíamos, precisamente, desde El caballero de la noche de Nolan. Esas secuencias a cámara fija pero en movimiento que logran aterrizar la puesta en escena a la propia realidad más brutal y visceral. Todo mientras que un villano está causando estragos personales en Batman y por lo tanto en Bruce Wayne.

Es que todo es épico. Puedo decir que se logró hacer un Batman congruente entre el Bruce y el caballero oscuro. ¡Habemus siguiente Batman!

Luis Toriz

Por Luis Toriz
Sitio web: https://cineofata.blogspot.com/
Twitter: @JonathanToriz
Facebook: @CDesclasificandoElCine
Instagram: @elultimovivo

Las películas con las que Robert Pattinson nos ha sorprendido.

No todos quieren a Robert Pattinson como el nuevo Batman, sin embargo Robert Pattinson ha sabido escoger muy bien sus personajes después de su tan criticada participación en Twilight ya desde un lejano 2008 (mis papás estaban recién casados), quiero decir que ya llovió.

Tomando como base que ya pasó mucho tiempo y que Pattinson ha sabido escoger grandes personajes en el cine… te diremos cuáles han sido los mejores roles del actor antes de que vayas a ver The Batman al cine.

El diablo a todas horas / Antonio Campos / 2020

El Reverendo Preston Teagardin, recién llega a un poblado donde ya no tienen pastor en la Iglesia. Llega como un recomendado de las grandes ligas cristianas y de inmediato comienza a imponer un evangelio que predica la santidad sexual y mental.

Aquí Pattinson, aunque no sale tanto y su participación es casi incidental, logra permanecer en la mente del espectador por el resto de la película, no solo por las acciones, sino también por su actuación. ¡Es intenso, sexy y además un hijo de su madre!

High life / Claire Denis / 2018

Monte es un hombre que va en una tripulación espacial que gracias a un error humano queda totalmente solo con su hija pequeña.

Aquí el actor británico destaca mucho por ofrecer una actuación realmente conmovedora. Aunque tiene a la actriz Juliette Binoche a su lado, él es el que lleva toda la carga actoral. Su personaje es muy complicado a la vez que contiene mucho sus emociones que no quiere contagiar de miedo o de soledad a su hija pequeña, pero que en su rostro se ve la desesperanza. Una película acerca de lo poderoso que es la relación de padres e hijos y el sacrificio que hacemos los unos por los otros sin ninguna restricción.

Goodtime / Los hermanos Safdie / 2017

Connie Nikas es un joven que, después de un fallido robo, quiere evitar que su hermano con discapacidad intelectual, sea llevado a la cárcel. Esto lo obliga a sumergirse en un inframundo de drogas, proxenetas y mafia de lo más loco.

Creo yo, sin lugar a dudas, que esté es su mejor personaje. Cuando vi esta película no creía que estaba viendo a Robert Pattinson, desde su aspecto, sus miradas, su preocupación y nula galantería que le caracteriza, Connie Nikas es sin duda un trabajo del actor que debes apreciar antes de verlo en The Batman.

Además la película compitió por La palma de oro en Cannes en el 2017 y Pattinson fue nominado al Indepent Spirit Award como mejor actor. ¡No te la puedes perder!

Life / Anton Corbijn / 2015

Dennis Stock es un fotógrafo de la revista Life, una de las publicaciones más importantes de Norteamérica en ese momento. Aunque Dennis es un fotógrafo eventual y por proyecto, busca una oportunidad que pueda encumbrarlo. Cuando descubre a la emergente Estrella masculina del cine, James Dean, logra ver en él un potencial enorme para fotografiar a una futura figura importante.

El personaje que interpreta Pattinson aquí es nada menos que INOLVIDABLE. Es conmovedor, nostálgico y nos revela una de las sesiones de fotos más importantes de la historia del Star system americano. Estas fotos son las que encumbraron a James Dean a niveles inalcanzables, lamentablemente después de morir. ¡Una gran historia real con grandes actuaciones!

Cosmópolis / David Cronemberg / 2012

Eric Packer es un empresario joven de 28 años, que dentro de limusina que aborda vive una convulsión politico y social desde su privilegio.

Es un personaje interesante, ya desde acá se comenzaba a quitar la piel de Edward Cullen. Aquí Robert logra matices que no habíamos visto en él, pero también una capacidad interpretativa bastante creíble que provocó muchos directores lo voltearan a ver. Personalmente no es de mis películas favoritas pero, no es nada mala.

Ya lo tienes, puedes ir bien preparado a ver The Batman sabiendo que el caballero de la noche y de la venganza quedó en muy buenas manos.

#BATMANPELÍCULA. ¡ESTRENO! 3 de marzo, solo en cines.

Luis Toriz

Por Luis Toriz
Sitio web: https://cineofata.blogspot.com/
Twitter: @JonathanToriz
Facebook: @CDesclasificandoElCine
Instagram: @elultimovivo